۱۵ وسترن برتر دهه ۲۰۲۰ میلادی تا به امروز
ژانر وسترن شاید نمونه بارز سینمای آمریکا باشد، اما روزگار طلایی آن مدت‌هاست به سر آمده است. با این حال، این ژانر هرگز واقعاً نمرده و هر دهه تلاش‌هایی برای بازآفرینی آن صورت گرفته که برخی به آثار ضروری مدرن بدل شده‌اند. سال ۲۰۲۰ دوره کم‌فروغی برای وسترن بود، اما با این وجود فهرستی ارزشمند از فیلم‌ها داریم که یا به قواعد تثبیت‌شده هالیوود پایبندند یا بیشتر اوقات آن‌ها را وارونه می‌کنند تا حرفی تازه بزنند. در ادامه ۱۵ وسترن برتر دهه ۲۰۲۰ میلادی تا به امروز را می‌خوانید.
بوچرز کراسینگ (Butcher's Crossing)
همان‌طور که تیم /Film می‌نویسد، «بوچرز کراسینگ» وسترنی تلخ، بی‌رحم و انتزاعی است که برای بازیگری مانند نیکلاس کیج (Nicolas Cage) که بیشتر دوران کاری‌اش را صرف پذیرش تقریباً هر پروژه‌ای کرده، بسیار مناسب است. اقتباس گیب پولسکی (Gabe Polsky) از رمان ۱۹۶۰ جان ویلیامز (John Williams) به او اجازه می‌دهد نقش یک مرزنشین وسواسی و رنجور را بازی کند که در شرایطی تاریک گرفتار شده است. او نقش میلر، شکارچی بوفالو در کانزاس دهه ۱۹۷۰ را دارد که ویل اندروز (Will Andrews) با بازی فرد هچینگر (Fred Hechinger)، دانشجوی انصرافی هاروارد که تشنه تجربه دنیای واقعی است را متقاعد می‌کند تا سفر به دره‌ای پنهان در کلرادو را تأمین مالی کند؛ جایی که هزاران حیوان بی‌مزاحم در آن چرا می‌کنند. این نقشه‌ای برای یک‌شبه پولدار شدن است، اما غرور دو مرد در برابر طبیعت خیلی زود به نابودی خودشان می‌انجامد.
پولسکی وسترن را از رمانتیسم اسطوره‌ای‌اش تهی می‌کند و ثروت مرزنشینی را به شمارش جنازه‌ها گره می‌زند. هرچند ممکن است انتظار انفجار خشم همیشگی کیج در انزوای بیابان را داشته باشید، اما او نسبتاً خویشتن‌دار عمل می‌کند و یادآور روزهای واقعی ستاره بودنش است که تنها با یک نگاه می‌توانست دنیایی داستان بگوید. تماشای او در این فضای درونی، به‌تنهایی ارزش وقت گذاشتن دارد.
کرای ماچو (Cry Macho)
همین اول کار تکلیف را روشن کنیم: «کرای ماچو» بهترین وسترن کلینت ایستوود (Clint Eastwood) نیست و در میان آثار کارگردانی او در این ژانر، تقریباً در قعر جدول جای می‌گیرد. شکست آن در گیشه تعجب‌برانگیز نبود، هرچند اکرانش در دوران پس از همه‌گیری کووید هم در این موضوع بی‌تأثیر نبود. اما چیزی خلع‌سلاح‌کننده در این هست که یک چهره ۹۱ ساله، خودش را در فیلمی کارگردانی کند که مستقیماً اسطوره و تصویر سینمایی خودش را به چالش می‌کشد. ایستوود نقش مایک میلو، ستاره ورشکسته رودئو در سال ۱۹۷۹ را بازی می‌کند که از سوی رئیس سابقش با بازی دوایت یوآکام (Dwight Yoakam) استخدام می‌شود تا پسر نوجوان او، رافو (Rafo) با بازی ادواردو مینِت (Eduardo Minett) را از پیش مادرش در مکزیک بازگرداند. پسری که یک خروس خانگی به نام ماچو هم همراه دارد، اصلاً نمی‌خواهد نجات داده شود و همین موقعیت، روایتی آرام و کم‌خطر درباره رستگاری در سال‌های پایانی عمر را شکل می‌دهد.
این فیلم بر اساس رمان ان. ریچارد نش (N. Richard Nash) ساخته شده که هالیوود دهه‌ها تلاش کرد آن را اقتباس کند. ایستوود در اینجا یکی از تفریحات تلخ و پایان‌دوران‌کاری‌اش را رقم زده است: فیلمی درباره فراموش کردن نهادهای سمی مردانگی. مایک بیشتر فیلم را صرف یادگیری وجوه فروتنی می‌کند که او را به خودش و دیگران نزدیک‌تر می‌سازد. ایستوود تا همین انتها هم درباره توانایی تغییر، فارغ از سن، فیلم ساخته است.
مردگان درد نمی‌کشند (The Dead Don't Hurt)
ویگو مورتنسن (Viggo Mortensen) پیش‌تر با فیلم ۲۰۰۴ «هیلدالگو» (Hildago) یک وسترن نادیده‌گرفته‌شده در کارنامه داشت. حالا این اثر غم‌انگیز که او نویسندگی، کارگردانی، بازیگری و موسیقی‌اش را بر عهده داشته، به جمع آن آثار پیوسته است. این نمایشی تحسین‌برانگیز از جاه‌طلبی یک‌نفره از سوی ستاره‌ای است که از زمان «ارباب حلقه‌ها» (The Lord of the Rings) مسیر همیشه متفاوتی را پیموده است. او «مردگان درد نمی‌کشند» را به داستان عاشقانه‌ای آرام و تأثیرگذار در مرزنشینی بدل کرده است. ویکی کریپس (Vicky Krieps) نقش ویوین لو کودی (Vivienne Le Coudy)، زنی فرانسوی-کانادایی به‌شدت مستقل را بازی می‌کند که در سان‌فرانسیسکو دهه ۱۸۶۰ عاشق هولگر اولسن (Holger Olsen) با بازی مورتنسن، نجار مهربان دانمارکی می‌شود. او به دنبال هولگر به شهری در نوادا می‌رود، جایی که مرد برای جنگ در جنگ داخلی آن را ترک می‌کند.
مورتنسن خط زمانی را در هم می‌ریزد و می‌گذارد فیلم در میان خاطره، سوگ و تراژدی‌های کوچک جدایی ناشی از جنگ پرسه بزند. این نقش باشکوهی برای کریپس است که به ویوین جرقه‌ای تیز و متکی‌به‌خود می‌بخشد و نمی‌گذارد فیلم در رخوت اشک‌آور زنی که صرفاً منتظر بازگشت معشوق است، غرق شود. وسترنی صبور و انسانی که پیامدهای خشونت را واکاوی می‌کند.
ادینگتون (Eddington)
اگر بیشتر وسترن‌ها نهادهای بنیادین شکل‌گیری کشور را ستایش یا بازجویی می‌کنند، «ادینگتون» بی‌رحمانه ما را در وضعیت کنونی، یا دقیق‌تر، در سال ۲۰۲۰ به چالش می‌کشد. شهر نیومکزیکو که نام فیلم از آن گرفته شده، دیگ بخاری از دستورالعمل‌های ماسک، اعتراضات Black Lives Matter و اسکرول کردن وسواسی در نظریه‌های توطئه است. در مرکز این آشوب، کلانتر شکست‌خورده با بازی واکین فینیکس (Joaquin Phoenix)، جو کراس (Joe Cross) قرار دارد که لاف قانون‌مداری‌اش، ناتوانی او در کنار آمدن با جهان پیرامون را می‌پوشاند. با این حال، او تصمیم می‌گیرد در برابر شهردار حیله‌گر با بازی پدرو پاسکال (Pedro Pascal) نامزد شود، در حالی که ادینگتون دور و برش از هم می‌پاشد.
همه این‌ها در پوشش نمادهای وسترن است: کلاه کلانتر، خیابان اصلی غبارآلود، رویارویی نهایی. با این وجود، ضربات هجو گزنده آن به همه طیف‌های سیاسی و نحوه کمک آن‌ها به حس گسترده‌تر قرارداد اجتماعی ازهم‌گسیخته، در این ژانر بی‌نظیر است. فیلم به‌خوبی حس زیستن در ذهن فرسوده آمریکایی در دوران همه‌گیری را ثبت می‌کند، زمانی که همه به درستی دگم‌های خود باور داشتند. «ادینگتون» تفرقه‌انداز، تحریک‌کننده و خشم‌برانگیز است و در این مسیر، چیزی واقعی درباره روح معاصر آمریکا را به تصویر می‌کشد.
نخستین گاو (First Cow)
فقط کلی رایکارد (Kelly Reichardt) می‌تواند از یک وسترن، داستانی درباره کیک بسازد. به‌راستی که «نخستین گاو» ملایم، گذرا و تراژیک او، قواعد وسترن آمریکایی را به شکلی بهتر بازنویسی می‌کند. داستان در قلمرو اورگان دهه ۱۸۲۰ می‌گذرد و کوکی فیگوویتز (Cookie Figowitz) با بازی جان ماگارو (John Magaro)، آشپز کم‌حرف و کینگ-لو (King-Lu) با بازی اوریون لی (Orion Lee)، مهاجر چینی فراری را دنبال می‌کند که دوستی آرام و یک باند کوچک خلاف را شکل می‌دهند: شبانه بیرون می‌روند تا تنها گاو منطقه را که متعلق به یک انگلیسی ثروتمند با بازی توبی جونز (Toby Jones) است بدوشند و کیک‌هایی را که با آن شیر می‌پزند بفروشند. این اقتباس از رمان جاناتان ریموند (Jonathan Raymond) با نام «نیمه‌عمر» (The Half-Life)، وسترنی است که پیوند انسانی را در برابر فشار و کنترل قریب‌الوقوع چارچوب‌های سرمایه‌داری برجسته می‌کند.
رایکارد در ثبت نوعی خویشتن‌داری ضداسطوره‌ای جادوگر است؛ او این کار را با ایجاد وحشت در «میکس کات‌آف» (Meek's Cutoff) انجام داد و اینجا به آن حس اندوهی افسون‌گر می‌بخشد. لطافت میان این دو رانده‌شده، به دوستی آرامشان غنایی می‌دهد که در کشش‌های طولانی و بی‌صدا، همچون مراقبه‌ای حرکت و نفس می‌کشد. فیلمی مهربان که شرایط سخت جهان را به رسمیت می‌شناسد و در میان دشمنی‌ها، آرزوی آرامشی صلح‌آمیز دارد.
